Cy Twombly, 2011

Confieso una cierta preocupación, basta que empiece una reseña de artistas para que mueran. Me explico. Estoy trabajando con algunos artistas, hoy vivos, pero antes de publicarlo en Arte & Artistas mueren. Para esto tengo dos remedios para no ser gafe, primero publico más rápido o segundo elijo algunos más jóvenes.

Solon1, 1952

Lamentablemente no me quedo con ninguna de las dos opciones. Sorry. Para que miento, no puedo hacerlo más rápido y los jóvenes considero que les falta un poco de “andar”.

Landscape, 1951

Pero bueno, sigamos con lo nuestro. Cy Twonbly es un artista excepcional; hombre muy poco conocido, para que hablar de su obra. Análisis del público en general, en los terrenos de galeristas y subastas es todo lo contrario.

Untitled, (Peony Blossom Painting). 2007

Las pequeñas reseñas en internet  sitúan su estilo fuera del expresionismo abstracto, hablan de “caligráfico”, no entiendo el término. Bueno, lo entiendo pero no en terrenos pictóricos. “Caligráfico” qué es eso? Está bien tener como referencia Wikipedia, pero no exageremos, por favor, señores blogueros.

Poems to the Sea XV (suite of 24) 1959

Dentro de este primitivismo, entendiéndolo como ingenuo, podemos observar una elegancia en el trazo que contradice el estilo. Vemos técnica y estudio, que nos lleva a pensar en pasión y dominio del pincel más que garabatos hechos al azar. Todo un logro.

Untitled, 1951

La razón de ese olvido del expresionismo abstracto es que el artista abandonó Estados Unidos por 50 años radicándose en Europa. Esto indudable trae una pérdida de acento al hablar pero no una pérdida de “estilo”, opinión personal, of course.

min oe, 1951

Hay un sabor trágico en la vida del artista, algo parecido a esa novela de Somerset Maugham  “El filo de la navaja”; con jóvenes estadounidenses, de clase social alta, que ven en Europa el lugar para encontrarse con ellos mismos.

Untitled 1955-1956

Alistarse en el ejército para salvar el mundo, Twonbly  lo hizo como criptógrafo en 1953, es la única manera, en definitiva, para poder escapar de sus familias y poder viajar y descubrir nuevos horizontes.

myo, 1951

Sin duda, esa Europa nunca los recibió con los brazos abiertos, siempre calificándolos como “nuevos ricos”, quizás también Singer Sargent cae dentro de este análisis breve. Una Europa que se mofó más que aplaudió.

Untitled, 1953

Untitled,,1953

Untitled,,,1953

Vemos un artista, como Joan Miró por ejemplo, que busca su identidad en lo “primitivo”. Cual niño ante un pizarrón de su colegio, Twonbly, traza su obra con tizas blancas tratando de encontrar un significado en ese pizarrón negro o gris, reflejo de una sociedad tal vez?. Qué busca el artista? La aniquilación de la obra, cual niño amurrado, o encontrar un puente de expresión? Quizás.

Sin título, 1970

Zyig, 1951

The Italians, 1961

Leda and the Swan, 1962

Untitled, 1970

http://www.cytwombly.info/index.html

http://www.newyorker.com/archive/2005/03/07/050307craw_artworld

Leaving Paphos Ringed With Waves V, 2009

Trivia: Untitled, 1967, se subasto en Christie’s New York, el 11 de mayo de 2011, en $15,202,500.

Cy Twombly fue el tercer artista contemporáneo invitado a instalar un “trabajo permanente” en el museo del Louvre, pintó el techo de la “Salle des Bronzes” en 2010.

Camino Real (II), 2010

Autorretrato, 1984

Para empezar esta reseña del gran artista chileno es necesario tener en cuenta tres cosas.

Cojines, 1971

La primera es que como buen artista chileno, para triunfar y alcanzar el éxito,  tuvo que irse de su país para nunca volver a vivir en él; como Roberto Matta.

Piernas y Manos, 1975

Lo segundo que se me viene a la cabeza es ver su obra catalogada como hiperrealista, error. Quizás en los sesenta o setenta pudiera ser considerada como tal pero hoy por hoy, con artistas como Richard Estes como ejemplo, el género creo no es el adecuado, realista es más apropiado. Opinión personal, ojo.

Cebollas, 1980

Autorretrato, 1971

Tentaciones de San Antonio, 1984

Autorretrato, 1970

La tercera  es ver como un hombre con las ideas claras, desde el principio, logra con trabajo, perseverancia y más trabajo, crearse un mundo propio lejos de estigmas o calificaciones rápidas que no aportan nada.

Maribel, 1970

Un sudamericano brillante, y transgresor, viviendo en la España de Franco no puede haber llegado mucho más lejos; escapa a Marruecos en 1972 donde vivió hasta su muerte en 2011.

Enzo, 1981

Venus, 1979

Se habla de la compra de su palacio en Tanger, en 1972, donde se refugia y crea ese mundo tan personal  olvidando algunos que ese mismo hombre en Chile, en los sesenta, se compró un avión para recorrer su país sin preocuparse de cosas nimias como hacer la fila en el aeropuerto y esas cosas. Extraordinario.

Retrato de Malcom S. Forbes, 1978

Retrato de la Sra. Tilda Benjumea, 1969

Los años sesenta son de retratos para gente adinerada o dictadorcillos, daba igual. Todo para obtener esos dólares tan necesarios para “escapar”.

Paquete Verde, 1960

Paquete Azul y Beige, 1968

Paquete Marfil, 1967

Paquetes Beige, 1970

Los años setenta son creativos y decidores, continua con su serie “Paquetes” (la empezó en los sesenta) que lo catapultan como artista internacional. El lugar para exponer sus primeros paquetes es Nueva York, 1970, la Galería Staempfli es la seleccionada.

Retrato, 1982

El Velo, 1987

Cabeza de Joven, 1987

Los años ochenta son de la Marlborough Gallery que será el espacio donde ficha como artista exclusivo.

Botas Verdes, 1991

Montura de Caballo Chilena, 1992

Papeles de Seda, 1994

Escultura, 1995

En los años noventa vemos un Bravo solido que busca la perfección en cada obra.

Triptico terracota, 2006

Triptico beige y gris, 2010

El siglo XXI nos presenta un Bravo reconocido con varios homenajes, en diferentes países, que incluso se da el lujo de donar parte de su colección de esculturas greco romanas al Museo del Prado. Es bueno acotar que su interés en las esculturas también incluyeron, en su colección, artistas como: Andy Warhol, Auguste Rodin, Fernando Botero y Francis Bacon.

Triptico azul y verde, 2010

Corrección a Wikipedia: (agosto de 2011) Habla de dos grandes artistas chilenos: Matta y Bravo, olvidando a Mario Carreño. También sitúa el precio de su obra con un tope de medio millón de dólares, se quedó 800 mil dólares corto! “Cosas de Wikipedia”.

Retrato de Spencer Cornelison, 1971

Como es habitual en los artistas que selecciona “Arte & Artistas” las referencias de la obra de Claudio Bravo son escasas por no decir lo poco que se habla del hombre.

Alfombra Roja, 1980

Futbol, Claudio Bravo

http://claudiobravo.com

John Marin es un pintor estadounidense que manejó la acuarela de forma extraordinaria, utilizando una paleta con tonos fuertes, vivos y poderosos cambiando la manera de tratar esta siempre tan sutil técnica pictórica.

Fue un pintor adelantado a su época.

Su obra esta enmarcada en un formato agresivo y vanguardista, expresado en la división de los espacios en diferentes perspectivas plásticas de triángulos, círculos y cuadrados, que conforman una sinfonía de sorprendentes trazos diagonales y verticales, con un movimiento hacia el infinito dentro de un ritmo armónico.

La belleza de la obra de John Marin es que logra conciliar la naturaleza y el desarrollo de la urbe en una expresión  llena de fuerza y vida, con una paleta húmeda, personal, multicromática e intensa.

“Rapidez” fue la palabra usada por el critico de arte Paul Rosenfeld (en su ensayo de 14 pintores norteamericanos, “Port of New York”) para describir la obra de John Marin. El término aduce a la velocidad, por supuesto, pero también a algo que Rosenfeld describe, en esa prosa barroca, como “Arraigado en buena tierra”.

Yo lo describiría como síntesis, resumen abstracto del devenir de una época denunciada por los altos rascacielos, por los puentes imposibles, por los metros circulando sobre los hogares, que culminarían en el desastre total.

Caos expresado por Marin en las olas sobre las playas de Maine, que de alguna manera manifiesta el asombro ante la tecnología y la incertidumbre.

Respirando lo urbano, con sus puentes y calles, identificados en una visión fugaz  anticipadora del futuro próximo.

Con John Marin vemos la creación de un estilo nuevo desde su inicio, estilo que el crítico de arte francés Louis Vauxcelles al ver una exposición de Georges Braque en 1908, tildaría peyorativamente como la reducción del arte a “pequeños cubos”; esa frase menospreciativa dio el origen de lo que hoy conocemos como estilo “Cubista”.

Dentro de todos los pintores cubistas nunca se menciona a Marin. Sin embargo, para mí, es uno de los precursores de este estilo.

John Marin nunca fue adepto a encasillarse dentro de ningún estilo, el fotógrafo Alfred Stieglitz lo consideraba como un “individualista sensible inspirado en el arte moderno”.

Los críticos de arte, de la época, señalaban como el artista pintaba con una “visión interna” sus temas. Talvez las palabras del propio artista, “Tengo que conocer un lugar íntimamente antes de pintarlo”,  llevan a estas teorías erradas que ofendieron profundamente a Marin catalogándolas de “basura”.

Para John Marin el “ver” es una “repetición de miradas”, y cada pintura suya la oportunidad de capturar en una sola imagen  “la visión de varios ojos”.

Marin rompe el academismo tratando la acuarela como óleo, utilizando una paleta vigorosa y agresiva, olvidándose de los medios tonos, tan referentes de la acuarela, llega a esos trazos opacos y saturados de color, que serán su sello, se ayuda con el carboncillo para darle mas fuerza a la obra.

 

 

James Ensor es un pintor belga poco conocido para la mayoría pero muy conocido en los segmentos artísticos de comienzos de siglo XX. Tan conocido fue, que su nombre se   asocia a los precursores de estilos como el expresionismo o el surrealismo.

Salió muy poco de Bélgica, incluso su ciudad natal Ostende sólo la dejó un par de años para ir  a estudiar arte en Bruselas. Visitó Paris, Londres y Ámsterdam por un breve periodo; este amor a su terruño lo marginó, de cierta manera, del circuito artístico que hombres con menor talento y creatividad, que él, manejaron a la perfección. Esta puede ser una razón de su poca fama hoy.

James Ensor tuvo en “El Bosco” un referente, tanto pictórico, temático como geográfico para extraer ideas. Su tratamiento “grotesco” de los hombres de su época nos habla de esta influencia flamenca de retratar una gente amanerada, vana y algo estupida.

Su paleta agresiva y colorida es un buen ejemplo de un expresionismo que fue la antesala a estilos como el “Dadaísmo” y de cierta manera el “Surrealismo”.

James Ensor es un hombre vanguardista, un innovador en ese siglo XIX, tan lleno de ganas de cambios sociales, artísticos o políticos.

Al ser un hombre con ideas nuevas lo lleva al terreno del “escándalo” y la censura en su tiempo. La “Entrada de Cristo en Bruselas” (1888) es un claro ejemplo de esto. Rompe las clásicas reglas de perspectiva y de “buen gusto”. Nos hace pensar en un Cristo de ayer visto entrando “hoy” (entendiendo el hoy de hace cien años), de una forma moderna; sometiéndose a la descalificación de sus contemporáneos.

Gente que esconde sus rostros e identidad tras mascaras, son los personajes que se apropiaran de esta “entrada triunfal” para beneficio propio, intereses políticos y comerciales serán en definitiva los grandes beneficiados de este Cristo perdido entre la muchedumbre.

El alcalde de Bruselas esta en el extremo superior derecho, con la banda, como un claro ejemplo de un hombre tratando de girar el evento en su propio beneficio. Cristo tiene el rostro del propio artista, simbolizando esas ganas de transmitir un mensaje ante los avatares descalificadores. Este juego psicológico, trazado con una paleta colorida y ajena a restricciones nos lleva al expresionismo de comienzos de siglo XX.  Ensor mantuvo el cuadro durante toda su vida y realizó modificaciones, como con la mayoría de sus obras.

Los temas religiosos de esta etapa, finales de siglo XIX, son un medio para expresar la insensibilidad humana. Única manera del artista de reflejar en su lienzo el disgusto ante las desigualdades de un mundo intolerante y elitista.

Otro medio utilizado son las mascaras y los payasos, que nos presentan los temas desde una perspectiva tragicómica para entender esos hombres de su tiempo. El estilo realista interactúa con el simbolismo, en esta alegoría “Ensoriana”, que nos lleva a ver las cosas con otra mirada, una mirada mas cotidiana y contingente, de un mundo “irreal” y “pasado”.

James Ensor, su genialidad, su atrevimiento y su vanguardismo son encerrados en el fácil calificativo de “pasado de moda” a comienzos del siglo XX. La gente olvida su obra y su talento metiéndolo rápidamente en el saco de pintor del pasado, algo increíble si pensamos que artistas como Paul Klee o Marc Chagall lo dan como referente en sus propias creaciones.

Esa crítica social, contra todos los poderes: iglesia, burguesía, militares  y políticos, finalmente le pasan la cuenta. Ensor se cansa de ir contra molinos de viento como se agobia por no vender a nadie sus Obras.

Entrado el siglo XX llega la aceptación popular con reconocimientos, premios e incluso un título de Barón otorgado por el rey Alberto I de Bélgica.

La crítica especializada ve en este Ensor de siglo XX un artista sin ganas de mostrar nada nuevo, con una producción mínima y repetitiva.

Difiero de este argumento simplista y hecho por estos “jueces sabios” que no se dan el tiempo de conocer al hombre. 

Para mí, James Ensor en el siglo XX, es un artista que cambia el modo de realizar y presentar sus acciones provocadoras. Pasó de ser la mano que traza los personajes a ser él mismo un personaje de su Obra. 

Un hombre que recibió todos los reconocimientos para un artista que apenas pintó en ese siglo XX, es una contradicción a esa misma critica del siglo XIX que despreció su Obra. Me pregunto, quién manejo a quien?  

No me cabe duda que se rió de todos hasta el final.