La vida de Gorky tiene ciertas similitudes con la vida de Stael, comentada anteriormente, una vida llena de penurias económicas hasta el fin, con comienzos en familias de distinguida dinastía. Nació en Armenia en 1904, con el nombre de Vosdanik Adoian, su padre era hijo de un gran terrateniente armenio y su madre provenía de una extensa familia de sacerdotes apostólicos.  

La familia se desintegra por arrancar  el padre del servicio militar, para no alistarse en el ejercito turco e ir a matar a sus hermanos armenios. Al final de la primera guerra mundial y luego de haber vivido innumerables penurias la madre del joven Vosnanik muere producto del hambre en los brazos de su hijo.  

En 1920 parte rumbo a EE.UU. tratando de dejar atrás sus penurias. A su llegada piensa que un joven armenio no tendrá nunca éxito en esa sociedad por lo que se inventa un pasado ruso, el apellido Gorky lo saco del autor ruso Maxim Gorky, llegando incluso a inventar un parentesco con él.

Este parentesco no le trajo muy buena suerte y tuvo que adoptar la nacionalidad estadounidense en 1934 para poder acogerse a un programa gubernamental de ayuda a los artistas. Toda esta desesperación de Gorky por ser aceptado deja huellas posteriormente, pese a su nacionalidad nunca se considero estadounidense, pero tampoco podemos decir que fue ruso y menos armenio.

Fue un hombre solo toda su vida, tratando de echar raíces en alguna parte o tener una familia. A todos los problemas de Gorky se le sumo el no poder  situarse como persona en este mundo nuestro. 

 

El artista se suicidó a los 44 años, en Sherman, Connecticut, no logró salir de una seguidilla de problemas personales incluido un accidente automovilístico y el incendio de su estudio.

Es dificil catalogar la obra y el estilo de Gorky, talvez de tanto esconderse él como persona terminó escondiendo un estilo en las sombras. Para mi es un gran artista, tan grande que incluso logra vencer, a través de su arte, todos sus complejos de inferioridad; nos logra transmitir una sensación de melancolia con técnica, gusto e innovación. 

Este es su último cuadro.

Sitio de interes: http://arshilegorkyfoundation.org/

Para ser un artista son requisitos fundamentales dos cosas, el talento y la actitud. El talento es necesario porque es el único medio valido para demostrar facultad y capacidad creadora. La actitud, en el artista, es la disposición del individuo a aceptar su talento sin importar el costo. Siempre este costo será una vida llena de miseria e ingratitudes en vida, recompensadas después de muerto por toda la fama y el oro de la tierra. De todos estos dignos representantes, del artista con actitud y talento, Nicolas de Staël esta entre los cinco mejores.

El Baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, nace en San Petersburgo dentro de una familia aristocrática tres años antes de la revolución rusa, lo cual obliga a la familia a exiliarse en Polonia. Ahí mueren sus padres y un joven Nicolas termina viviendo con una pareja rusa en Bruselas. Bélgica es el país que lo acoge y en el cual empieza sus estudios de Arte en la Academia Real de Bellas Artes.

En Bruselas realiza su primera exposición en la Galería Dietrich et Cie en 1936. En 1939 se alista en la Legión Extranjera partiendo a África. A los 26 años es un artista hecho y derecho que vive bajo constantes penurias económicas, su pareja Jeanine Guillou, también pintora que modeló para varias de sus pinturas, durante su periodo en Marruecos, muere producto de la pobreza en que viven.  

Empezando la década de los 40 hasta la mitad de los 50 crea casi toda su obra pictórica, unos mil cuadros. Obras hechas hasta con sabanas por carecer de dinero para comprar tela. Esto es una clara demostración de la actitud del artista, el perder la pareja y hasta las sabanas por alimentar su talento. 

En 1944, tras su llegada a Paris, La Galería de Jeanne Bucher aceptó exponer sus cuadros.  La galerista demostró audacia y gran valentía al exponer la obra de un artista ruso en la Francia ocupada por los nazis que consideraban la pintura abstracta como arte degenerado. Todos los artistas de avanzada tienen una deuda con esta Galería, fue la que expuso obras de:  Ernst, Giacometti, Gris, Kandinsky, Klee, Laurens, Léger, Masson, Miró y Picasso, desde sus comienzos.

En sus años parisinos rompe con la tradición clásica figurativa creando sus obras con una técnica abstracta radical, con pinceladas espontáneas, goteos y manchas de pintura directos del tubo. Este estilo de pintura abstracta fue bautizado en 1950, por el crítico francés Michel Seuphor como Tachismo, derivación de la palabra francesa “Tache” que significa Mancha. Este estilo se desarrolló en la década de los cuarenta y se considera la respuesta europea al expresionismo abstracto estadounidense.

Debido a esta cercanía, quizás, tuvo una muy buena acogida por parte del mercado estadounidense e inglés, dejando a los europeos continentales más incrédulos, en los principios de la década de los cincuenta.  

Mientras pintaba Le gran Concert, se suicido el 16 de marzo de 1955, dejándola inacabada. El detonante de esto fue un critico de arte que calificó despectivamente su obra, claro que de Staël  presentaba un cuadro agudo de depresión y angustia.

Markus Rothkovitz era un joven ruso que contaba con siete años de edad cuando su familia decidió emigrar a Estados Unidos en 1910. Después de tres décadas, viviendo en el país del norte, obtuvo la nacionalidad estadounidense y cambió su nombre por el de Mark Rothko.  

  

 Rothko es uno de los principales exponentes del expresionismo abstracto. Empieza su carrera entorno al surrealismo…   

  

 … pero pronto cambia de genero pintando de una manera mas simple y austera, con finas capas de color que cubren rectángulos de gran formato. A medida que el artista madura, en su obra, los rectángulos se van difuminando en sus extremos.   

Rothko era un místico y su obra refleja su sentido religioso de la vida, por eso al final de sus días sus cuadros se tornan mas oscuros, con tonalidades marrones, violetas y el infalible negro.    

Hay cierta similitud con el campo de trigo de Van Gogh, el ultimo cuadro del holandés, sobre volado por cuervos negros, que presagia medidas extremas de su autor. 

“Lo bello de la naturaleza se refiere a la forma del objeto, que consiste en su delimitación. Lo sublime, en cambio, puede encontrarse en un objeto sin forma, en cuanto en el, u ocasionada por el, es representada la ausencia de limites”. Immanuel Kant, Critica del Juicio, 1790.  

Tanto negro fue un reflejo de su vida, llena de alcohol y drogas con píldoras de autocompasion y depresión, que lo llevaron finalmente a suicidarse en 1970.  

Al momento de ver este cuadro no se necesita saber nada, entender nada, analizar nada. Nos quedamos solo con nuestras emociones, porque lo único que haremos será sentir. El suprematismo puro, un arte liberado de fines prácticos y estéticos,  expresado a través de figuras geométricas, sin tomar en cuenta apariencias bonitas o con deseos de agradar a un publico cualquiera. Formas desnudas, formas primarias sin siquiera colorido para hacerlas mas comerciales.

Este cuadro refleja las contradicciones del arte; vemos, por una parte, unas manos pintadas con un exquisito realismo clásico que nos hacen pensar en lo duro de la vida de los obreros en esa época a principios del siglo XX. Luego nos trasladamos a finales del mismo siglo, pensando en carreras ciclísticas del Tour de France viendo el atuendo de la obrera. Una maravilla este zigzag pictórico.

Es difícil encajar a Malevich en alguna categoría, navegó entre el Suprematismo, el Cubismo, el figuratismo, el impresionismo, el arte abstracto y el Neoprimitivismo. “Para el pintor como para el escultor, no existe otra luz que aquella por medio de la cual se produce el modelado de las cosas, la luz no parece ser el objetivo principal, sino un medio técnico que sirve para revelar lo conocido de la profundidad de las tinieblas.        

Si la luz es un simple medio técnico, es evidente que juega un rol de igualdad con otros medios materiales, la luz está en el mismo nivel que cualquier materia y posee un valor de igualdad con todos ellos, porque también representan, de igual manera, los mismos medios y cualidades que la luz, por los cuales se revela la idea, mostrando a través suyo la faz o forma de las cosas que yacen en mi, como resultado de las reacciones de dos fenómenos que existen en mi y fuera de mi.

De ahí, extraigo la siguiente conclusión, la pintura o la escultura no revelan jamás ni la luz, ni el color, ni la forma sino la reacción que se produce en la colisión de fuerzas que yacen fuera y dentro de mi”. Malevich / La Luz y El Color.

http://www.russianpaintings.net/doc.vphp?id=126

http://www.upv.es/laboluz/revista/pages/numero3/rev-3/malevich.htm