John Marin es un pintor estadounidense que manejó la acuarela de forma extraordinaria, utilizando una paleta con tonos fuertes, vivos y poderosos cambiando la manera de tratar esta siempre tan sutil técnica pictórica.

Fue un pintor adelantado a su época.

Su obra esta enmarcada en un formato agresivo y vanguardista, expresado en la división de los espacios en diferentes perspectivas plásticas de triángulos, círculos y cuadrados, que conforman una sinfonía de sorprendentes trazos diagonales y verticales, con un movimiento hacia el infinito dentro de un ritmo armónico.

La belleza de la obra de John Marin es que logra conciliar la naturaleza y el desarrollo de la urbe en una expresión  llena de fuerza y vida, con una paleta húmeda, personal, multicromática e intensa.

“Rapidez” fue la palabra usada por el critico de arte Paul Rosenfeld (en su ensayo de 14 pintores norteamericanos, “Port of New York”) para describir la obra de John Marin. El término aduce a la velocidad, por supuesto, pero también a algo que Rosenfeld describe, en esa prosa barroca, como “Arraigado en buena tierra”.

Yo lo describiría como síntesis, resumen abstracto del devenir de una época denunciada por los altos rascacielos, por los puentes imposibles, por los metros circulando sobre los hogares, que culminarían en el desastre total.

Caos expresado por Marin en las olas sobre las playas de Maine, que de alguna manera manifiesta el asombro ante la tecnología y la incertidumbre.

Respirando lo urbano, con sus puentes y calles, identificados en una visión fugaz  anticipadora del futuro próximo.

Con John Marin vemos la creación de un estilo nuevo desde su inicio, estilo que el crítico de arte francés Louis Vauxcelles al ver una exposición de Georges Braque en 1908, tildaría peyorativamente como la reducción del arte a “pequeños cubos”; esa frase menospreciativa dio el origen de lo que hoy conocemos como estilo “Cubista”.

Dentro de todos los pintores cubistas nunca se menciona a Marin. Sin embargo, para mí, es uno de los precursores de este estilo.

John Marin nunca fue adepto a encasillarse dentro de ningún estilo, el fotógrafo Alfred Stieglitz lo consideraba como un “individualista sensible inspirado en el arte moderno”.

Los críticos de arte, de la época, señalaban como el artista pintaba con una “visión interna” sus temas. Talvez las palabras del propio artista, “Tengo que conocer un lugar íntimamente antes de pintarlo”,  llevan a estas teorías erradas que ofendieron profundamente a Marin catalogándolas de “basura”.

Para John Marin el “ver” es una “repetición de miradas”, y cada pintura suya la oportunidad de capturar en una sola imagen  “la visión de varios ojos”.

Marin rompe el academismo tratando la acuarela como óleo, utilizando una paleta vigorosa y agresiva, olvidándose de los medios tonos, tan referentes de la acuarela, llega a esos trazos opacos y saturados de color, que serán su sello, se ayuda con el carboncillo para darle mas fuerza a la obra.

 

 

James Ensor es un pintor belga poco conocido para la mayoría pero muy conocido en los segmentos artísticos de comienzos de siglo XX. Tan conocido fue, que su nombre se   asocia a los precursores de estilos como el expresionismo o el surrealismo.

Salió muy poco de Bélgica, incluso su ciudad natal Ostende sólo la dejó un par de años para ir  a estudiar arte en Bruselas. Visitó Paris, Londres y Ámsterdam por un breve periodo; este amor a su terruño lo marginó, de cierta manera, del circuito artístico que hombres con menor talento y creatividad, que él, manejaron a la perfección. Esta puede ser una razón de su poca fama hoy.

James Ensor tuvo en “El Bosco” un referente, tanto pictórico, temático como geográfico para extraer ideas. Su tratamiento “grotesco” de los hombres de su época nos habla de esta influencia flamenca de retratar una gente amanerada, vana y algo estupida.

Su paleta agresiva y colorida es un buen ejemplo de un expresionismo que fue la antesala a estilos como el “Dadaísmo” y de cierta manera el “Surrealismo”.

James Ensor es un hombre vanguardista, un innovador en ese siglo XIX, tan lleno de ganas de cambios sociales, artísticos o políticos.

Al ser un hombre con ideas nuevas lo lleva al terreno del “escándalo” y la censura en su tiempo. La “Entrada de Cristo en Bruselas” (1888) es un claro ejemplo de esto. Rompe las clásicas reglas de perspectiva y de “buen gusto”. Nos hace pensar en un Cristo de ayer visto entrando “hoy” (entendiendo el hoy de hace cien años), de una forma moderna; sometiéndose a la descalificación de sus contemporáneos.

Gente que esconde sus rostros e identidad tras mascaras, son los personajes que se apropiaran de esta “entrada triunfal” para beneficio propio, intereses políticos y comerciales serán en definitiva los grandes beneficiados de este Cristo perdido entre la muchedumbre.

El alcalde de Bruselas esta en el extremo superior derecho, con la banda, como un claro ejemplo de un hombre tratando de girar el evento en su propio beneficio. Cristo tiene el rostro del propio artista, simbolizando esas ganas de transmitir un mensaje ante los avatares descalificadores. Este juego psicológico, trazado con una paleta colorida y ajena a restricciones nos lleva al expresionismo de comienzos de siglo XX.  Ensor mantuvo el cuadro durante toda su vida y realizó modificaciones, como con la mayoría de sus obras.

Los temas religiosos de esta etapa, finales de siglo XIX, son un medio para expresar la insensibilidad humana. Única manera del artista de reflejar en su lienzo el disgusto ante las desigualdades de un mundo intolerante y elitista.

Otro medio utilizado son las mascaras y los payasos, que nos presentan los temas desde una perspectiva tragicómica para entender esos hombres de su tiempo. El estilo realista interactúa con el simbolismo, en esta alegoría “Ensoriana”, que nos lleva a ver las cosas con otra mirada, una mirada mas cotidiana y contingente, de un mundo “irreal” y “pasado”.

James Ensor, su genialidad, su atrevimiento y su vanguardismo son encerrados en el fácil calificativo de “pasado de moda” a comienzos del siglo XX. La gente olvida su obra y su talento metiéndolo rápidamente en el saco de pintor del pasado, algo increíble si pensamos que artistas como Paul Klee o Marc Chagall lo dan como referente en sus propias creaciones.

Esa crítica social, contra todos los poderes: iglesia, burguesía, militares  y políticos, finalmente le pasan la cuenta. Ensor se cansa de ir contra molinos de viento como se agobia por no vender a nadie sus Obras.

Entrado el siglo XX llega la aceptación popular con reconocimientos, premios e incluso un título de Barón otorgado por el rey Alberto I de Bélgica.

La crítica especializada ve en este Ensor de siglo XX un artista sin ganas de mostrar nada nuevo, con una producción mínima y repetitiva.

Difiero de este argumento simplista y hecho por estos “jueces sabios” que no se dan el tiempo de conocer al hombre. 

Para mí, James Ensor en el siglo XX, es un artista que cambia el modo de realizar y presentar sus acciones provocadoras. Pasó de ser la mano que traza los personajes a ser él mismo un personaje de su Obra. 

Un hombre que recibió todos los reconocimientos para un artista que apenas pintó en ese siglo XX, es una contradicción a esa misma critica del siglo XIX que despreció su Obra. Me pregunto, quién manejo a quien?  

No me cabe duda que se rió de todos hasta el final.

Valentin Serov fue hijo del compositor y critico de música ruso Alenxander Serov; como miembro de una familia artística vivió en una atmósfera cultural que lo ayudo a contar, desde muy niño, con la ayuda y formación de los mejores profesores artísticos rusos de la época, como el pintor de temas históricos y de retratos  Pavel Tchistyakov.

“Niña bajo la luz del Sol”, 1888, retrato de Maria Simonovich, es otro ejemplo de la razón de su éxito como retratista en la década de los 90. La crítica no sabía como catalogar su estilo, todavía no se hablaba de impresionismo en Rusia por lo que deslumbró con ese estilo nuevo, que “iluminaba” a sus personajes de una forma natural y cotidiana.

Este éxito en el campo de los retratos lo encasilló en la búsqueda de nuevos temas y de cierta manera le quitó protagonismo ante la entrada de los nuevos estilos de principios del siglo XX.

Son pocos lo pintores rusos que conocemos, por no decir ninguno. Podemos hablar de algunos nacidos en Rusia pero que por vaivenes políticos o económicos adoptaron diferentes nacionalidades en diferentes países.

Una contradicción, para cualquier artista, sería hacer una carrera sometiéndose a la censura de la misma por parte de alguien. Sometiéndose a loar determinadas acciones o personajes. Sometiéndose a perder la “mirada” contingente en el afán de ocultar lo que el “amo” quiera que no se vea. 

Talvez esta razón de agradar al gobernante de turno es la explicación de la falta de artistas notables o extraordinarios en los diferentes tipos de sistemas dictatoriales, ya sean estos de posiciones políticas de izquierda  o derecha.

Nunca podrán llevar su arte a un “Estadio” superior, porque este estará limitado, cortado y censurado.

Valentin Serov tuvo la “ventaja” de ser un hombre que sólo vivió bajo una Rusia Imperial, fue un hombre que a pesar de moverse en esferas monárquicas y burguesas tuvo el atrevimiento de enfrentar temas contingentes con una mirada política diferente a las del poder, llegando a renunciar a la “Academia Imperial de las Artes”, en 1905, como protesta por la matanza hecha por las tropas del Zar Nicolás II, en lo que se conoció como el “Domingo Sangriento”, donde murieron más de dos mil personas.

Entendiendo su época y sus colegas contemporáneos, como Anders Zorn o John Singer Sargent, observamos un estilo formado tras la contemplación de Obras de pintores anteriores, como Diego Velásquez; más que el alineamiento académico que podría haberlo llevado a terrenos donde sólo habría copiado las directrices de los impresionistas franceses de forma ortodoxa, Serov es capaz de mostrarnos un estilo propio, tan propio que podemos hablar hoy de “Impresionismo Ruso”. 

“El rapto de Europa” me trae a la memoria la búsqueda de Gallen-Kallela por mostrar una Finlandia en torno a su mitología, como modo de crear una identidad nacional. Un tratamiento de la paleta como tempera nos brinda un colorido empastado y carente de tonos, sin caer en lo naïf gira en lo primario.

Con “The Grand Eagle Cup” vemos un tratamiento mas satírico del tema jugando con lo Barroco y, a su vez, con la pureza de las formas de sus personajes. 

En el Retrato de la bailarina rusa “Ida Rubinstein”, 1910, vemos como presenta la imagen de mujer liberal, referente de la belleza de esa “Belle Epoque”, mujer sin trabas morales que impacto los cánones éticos de esa sociedad. Amedeo Modigliani, unos pocos años más tarde, utilizó esas mismas figuras estilizadas para darnos una nueva visión de como tratar la figura humana.

Estos últimos retratos son los de un artista consumado, que logra manejar su paleta de la forma deseada. Con pocos y seguros trazos nos transporta a lo que su imaginación deseó, logra transmitirnos la “esencia” de sus personajes de una forma exquisita y pulcra. 

“American Gothic”, 1930, es uno de los cuadros más conocidos en la Historia del Arte. Son innumerables las versiones “libres” que diferentes artistas han hecho del famoso doble retrato. Se podría decir, incluso, que es uno de los rivales de la “Mona Lisa” en ese gusto de algunos por tomar un tema conocido y “satirizarlo” o crearlo bajo su propia mirada. Claro que para esto pienso igual que con la música, al escuchar alguien cantando como Frank Sinatra, por muy bueno que sea, me quedo con “La Voz” original.

Me llama la atención, siguiendo la analogía con la “Mona Lisa”, que al contrario de Leonardo nadie conoce al autor de “American Gothic”, pienso que ni siquiera uno de cada diez personas que la han visto se han molestado en conocer algo de su autor o de su obra.

Grant Wood fue un hombre del Medio Oeste estadounidense, que viajó por muchos lugares y países pero que siempre retorno a su raíz rural: “Todas las ideas buenas que he tenido, han llegado a mi mientras ordeñaba una vaca. Por lo que decidí retornar a Iowa”.

Mucho se ha hablado de “American Gothic”, por lo que considero innecesario hablar más de lo mismo, pero si me gustaría centrar estas líneas en la importancia de este cuadro tan famoso como catalizador del olvido de su autor.

La razón parte (opinión personal) en el hecho de ser el referente pictórico del “Grupo Regionalista”. El “Regionalismo” es una tendencia artística estadounidense, de la decada de los treinta y cuarenta, que tuvo como integrantes a pintores como Andrew Wyeth o Ben Shahn, que trataron con su pintura de dignificar la vida rural, y su gente, de una manera “Real”, antagonizando con los artistas abstractos de la época. Es esa idea nostálgica del hombre trabajador, con los valores que llevaron a Estados Unidos a su Independencia, luchando contra ese nuevo hombre inmerso en el urbanismo industrial.

Curiosamente ni Shahn ni Wyeth quedan “atrapados” en este manto “regionalista” logrando exportar su obra, mientras Wood quedará “horquillado” magistralmente en el Medio Oeste.

Más curioso es ver como la Obra de Wood nos transporta a los terrenos del diseño 3D, con esas colinas y pueblos vistos desde arriba, con sombras rigurosas y verdes intensos que nos evocan cualquier cosa menos el Medio Oeste. Un hombre con una visión adelantada, un hombre con esa visión 3D, no puede encerrarse en el terreno del “Regionalismo”, es mas “Universal” que eso.

Quizás una explicación para el acotamiento es la temática rural y el uso de conocidos suyos como modelos, así como fue su hermana y el dentista del pueblo los que posaron en “American Gothic” para “Woman with Plants”, 1929, fue su madre la modelo que vemos con una granja a sus espaldas, vestida con un traje muy bien detallado por Wood, como la planta en sus manos o el camafeo alrededor de su cuello. Todo esto nos muestra una mujer orgullosa de si rodeada de las pequeñas cosas que le importan.

 

Los años veinte y treinta fueron una época de depresión y angustia, Wood trata de olvidar esas miserias humanas centrándose en transportarnos a un mundo mágico y bello como medio de olvidar las penurias.

 

Durante la primera guerra mundial Wood se alistó en el Ejército, su trabajo consistió en pintarle el camuflaje a los cañones y tanques de su batallón. Este es un buen referente para explicar su paleta ocre y verde con sombras que crean perspectivas irreales. Por generación fue un artista formado dentro de los terrenos del impresionismo francés, pero se nota una búsqueda personal más humana, que nos lleva al expresionismo alemán. Con una paleta mas amable y conciliadora no se puede hablar de un Wood expresionista en su pintura, pero si en sus temas mundanos. De la misma manera  podemos analizar su obra dentro del surrealismo, partiendo de la idea de subir al artista en un globo para que su mirada vea todo en un plano desde arriba hacia abajo.

 

 

 

El referente de siempre en la crítica especializada al hablar de Wood es la pintura flamenca, con Jan van Eyck a la cabeza y su “Retrato de Giovanni Arnolfini y esposa”, 1434, como punto de partida. Talvez por el modo austero de situar la pareja se puede pensar esto. Pero no veo mayor influencia de este o de otros pintores y estilos, en su obra.

 

Puedo ver un Corot, Pissarro o Sisley, como puedo ver un Gorky o un Corinth, qué mas da.

 

 

Durante los años de la depresión vemos como la relación entre los Granjeros y el Estado estuvo basada en la política  económica del Ministerio de Agricultura, proteccionista y retórica. Es una época, además de pobreza, de profundo racismo, intolerancia, violencia e incultura.

 

 

Todo esto no lo vemos en la obra de Grant Wood, todo lo contrario, nos refleja una serenidad pastoral que nos traslada a ese mundo imaginario de Oz, ajeno a la realidad contingente.

 

 

 

La valoración y fama de Grant Wood cae estrepitosamente después de su muerte, de haber sido considerado el protector de las tradiciones estadounidenses y su “Arte” ante la llegada de los europeos y su “Degeneración”, pasa a ser vilipendiado en cuanta revista, suplemento de periódico o libro de arte haya sido escrito entre las décadas del cuarenta al setenta.

 

 

 

Sin embargo veo mayor poder de abstracción, de surrealismo o de innovación temática en la obra de Wood que en la mayoría de sus contemporáneos colegas. Es curioso observar un artista considerado tan nacionalista  no caer en fáciles clichés como pintar su bandera patria. Un artista que ve su Nación desde el prisma de los sueños, o de las nubes, no lo podemos adjetivar rápidamente de “regionalista” o de “pintor satírico”.

 

 

Norman Rockwell es un artista que no se puede omitir cuando se habla de Grant Wood, el interés de Rockwell de plasmar en su obra una reproducción casi fotográfica del tema, en un alarde de exquisita técnica y composición, nos crea nuestra idea de una época y su gente.

Mientras Wood deja de lado el detalle por la forma.

 

 

Formas escultóricas, sacadas con la sensualidad que solo un artista de calibre es capaz. Labradas en las faldas de una montaña, nos demuestran la calidad técnica del artista; que tiene la habilidad  increible de transportarnos, con la misma obra, a un futuro cercano o a un pasado lejano.

 

 

La visión de Rockwell del mundo es tan naïf como la del propio Wood, por eso los dos pagaron caro su lejanía con la realidad. Que es, en todo caso, lo que se le exige a cualquier artista: ser capaz de llevarnos a su mundo personal, para vislumbrar un “Nuevo Camino”.

 

Un excelente sitio de Grant Wood y su obra en:

http://xroads.virginia.edu/~MA98/haven/wood/home.html

La vida de Hammershøi, artista danés, es como mirar una de sus pinturas: enigmática, desolada y llena de códigos secretos. Pintó pocos temas, centrándose en los interiores de su casa (la mayoría de las veces), los paisajes, alguna vista arquitectónica y uno que otro retrato.

Siempre con mujeres que las vemos, o interrumpimos, en ese breve instante de reflexión al estar realizando una tarea.

Ya sea al estar cosiendo, leyendo, limpiando, etc., estos personajes llegan a nosotros justo cuando su mente reflexiona sobre cosas importantes, cotidianas o banales.

En la década del ochenta tomó clases con el gran artista Peder Severin Krøyer, mejoró su técnica  y logró un gran reconocimiento unos años más tarde; pero aquí jugó el “tiempo” en su recuerdo posterior. Como muchos otros artistas de finales del siglo XIX, su Obra entrando el nuevo siglo, cae en adjetivos fáciles como el famoso “déemodé”.

Sus temas y paleta no logran navegar por las nuevas olas impresionistas, expresionistas, surrealistas, cubistas o metafísicas en ese comienzo del siglo XX, naufragando en esa Isla llamada “Olvido” durante casi 100 años.

En 1885 pintó a su hermana en: “Retrato de una joven mujer”, cuadro que rompe algunas tradiciones de los pintores “Naturalistas” lo que lo lleva a los terrenos de la rebeldía y controversia según los estándares de la época, misma gente que años después de tratarlo de rebelde e innovador lo olvida por ser demasiado conservador y retrogrado. Son los vaivenes del Arte.

Son los mismos vaivenes que me llevan a decir hoy, que el uso de esa paleta sin vida y la exageración de la Luz central lo hacen un “Minimalista”, claro que el hecho de pertenecer a un género antes de un siglo de inventarse el término deja al precursor en un terreno de nadie.

1965 es el año donde el filósofo inglés Richard Wollheim crea el término al referirse a las obras monocromáticas y a la utilización que Marcel Duchamp hacía de objetos ordinarios.

En “Interior con mujer al piano”, 1901, observamos un pan de mantequilla puesto en la mesa entre dos platos vacíos, limpios sin denotar uso. Tampoco se observan cubiertos o pan, por lo qué nos preguntamos ¿qué hace ahí? El pelo suelto, de ese moño en la mujer, “desordena” la minimalista imagen, las arrugas del mantel nos llevan los ojos a este pequeño detalle que junto a la mantequilla apelotonada y usada, nos dan un tema para reflexionar. Nunca más el artista pintó un elemento con tanta “vida” y menos volvió a usar un color tan intenso como ese sutil amarillo.

En sus cuadros percibimos una quietud que llega a perturbar sin saber cómo, talvez una explicación de este sobrecogimiento es debido a la inmovilidad de la obra, aunque vemos personas actuar dentro de ella, no percibimos siquiera el paso de una mosca.

El mundo se detiene misteriosamente, un momento desolado en  días sin esperanza como los presentados por Edgard Hooper medio siglo después.

Hay algo de Vermeer en esta manera de enfrentar el tema hogareño, sin embargo su paleta se libra de una unión que sería demasiado sospechosa de haber mantenido los tonos del holandés. Hammershøi, debido a esta independencia, logra “su” estilo monocromático particular donde la escala de grises es la que lidera el camino introduciendo el elemento dramático.

“Lo que me hace escoger un tema son… las líneas, las que me gusta llamar el contenido arquitectónico de una imagen. Luego esta la Luz, sin duda. Esto es también muy importante, obviamente, pero creo que las líneas son lo que verdaderamente importa para mí. El color, naturalmente, no deja de tener su importancia. Realmente no soy indiferente a como se ve, trabajo arduamente para que luzca armonioso. Pero cuando escojo un tema, primero pienso en las líneas”. Vilhelm Hammershøi.

Una buena página, en inglés, con un detallado estudio del hombre y su obra en: http://www.royalacademy.org.uk/exhibitions/hammershoi/